Wednesday, October 11, 2006

boletos música unam

tenemos cinco pases dobles para cada uno de los siguientes conciertos:

VIERNES OCTUBRE 13
Concierto Internacional (Reino Unido)
Philharmonia Orchestra
Martyn Brabbins, director; Natalie Clein, violonchelo
Cockaigne (In London Town), op. 40 y Concierto para violonchelo op. 85 de Elgar; y Los planetas op. 32 de Holst
Sala Nezahualcóyotl/20:30 horas $330.00, $220.00 y $110.00


SABADO OCTUBRE 14
OFUNAM Temporada 2006-2007: Otoño
Lior Shambadal, director
Homenaje a Mozart de Ibert; Variaciones y Fuga sobre un tema de Mozart de Reger; y Cuarta sinfonía de Tchaikovsky
Sala Nezahualcóyotl/20:00 horas

DOMINGO OCTUBRE 15
OFUNAM Temporada 2006-2007: Otoño
Lior Shambadal, director
Homenaje a Mozart de Ibert; Variaciones y Fuga sobre un tema de Mozart de Reger; y Cuarta sinfonía de Tchaikovsky
Sala Nezahualcóyotl/20:00 horas

DOMINGO OCTUBRE 15
Concierto Internacional (Bélgica)
La Petite Bande
Sigiswald Kuijken, director musical; Patrick Beaugiraud, oboe; Ewald Demeyere, clavecín
Divertimento (Casación) Hob II, 20 y Hob II, 2; y Concierto para clavecín, Hob XVIII, 3 de Haydn; Divertimento nº 7, K 205; Sinfonía K Anh 221; y Concierto para oboe K 271k de Mozart
Sala Nezahualcóyotl/18:00 horas



++++++++++información en : http://www.musicaunam.net/ +++++++++++++++++++++++

deja un mensaje o escribe un mensaje a sinoidal@hotmail.com , con tu nombre completo y el concierto y el día al que quieras asistir.

Alberto Blanco en Sinoidal

Cuando se habla sobre música, generalmente la conversación se carga ya sea hacia lados históricos o biográficos del compositor o hacia detalles demasiado técnicos y sin carga emocional. Pocas veces nos encontramos con verdaderos escuchas capaces de entrar en la música y dejarse llenar por ella, empleando orgánicamente la razón y la intuición. Por esta razón, resulta inspiradora la fusión que Alberto Blanco ha hecho entre la música y la poesía en su libro recientemente editado, Música de Cámara Instantánea (Conaculta, 2005). El autor hace poesía dedicada a varios compositores que enriquecieron al siglo XX con sus universos sonoros. Satie, Debussy, Nancarrow, Ligeti, Messiaen, Scriabin y Stockhausen, entre muchos otros, han sido transformados por el autor en letras, moldes de sus sonidos, vidas y estéticas.

En el último programa de Sinoidal -martes 10 de octubre, repetición domingo 15 de octubre- tuvimos el gusto de tener con nosotros a Alberto Blanco, con quien estuvimos platicando sobre la poesía de Música de Cámara Instantánea. Varios temas bien conocidos por quienes siguen y enriquecen el programa salieron a flote: el reflejo de la crisis del siglo XX en su música, la peculiar personalidad de Eric Satie y la sinestesia en Scriabin, entre muchos otros.

Para que se den una idea, a continuación mostramos algunos de los varios poemas publicados en MCI, de los cuales hablamos en este programa dedicado a Alberto Blanco y a los compositores del siglo XX.

Christopher Luna Mega.


SONETO PARISINO

a Claude Debussy


La danza de las teclas es el velo
de aquel paisaje azul que se adivina
detrás de la ventana que ilumina
al pianista y al piano frente al cielo.

En otro piano despertó el anhelo
que hoy ya toca a su fin cuando declina
la tarde donde el sol se difumina
como un paisaje impresionista al vuelo.

París de cielo azul y piedra gris,
de nubes blancas y de bocas rojas
como un lugar común que para mí

Ha dejado de ser sólo un Matisse,
sólo un Utrillo más donde las hojas
secas recuerdan siempre a Debussy.




TRES PERAS
Y EL GUSANITO
DE LA MUSICA

a Eric Satie


I

Perdido

ventanas
abiertas

a la luz

retirándose
del corazón


II

Más allá

todo
espacio

genera

toda
especie


III

La certeza
de no tener

certeza

fruto
de la luz

madura




CLAVIER A LUMIERES

a Alexander Sriabin


Hace apenas unos cuantos millones de años
antes del infrarrojo
cuando la extática riqueza del universo
decidió componer con colores

El deseo secreto de una armonía
en notas iluminadas
y aromas para oficiar
la liturgia del canto

Me sentí empujado por las súbitas estrellas
que despiertan dentro del pecho
a tomar en mis manos la espada de fuego
sin premeditación alguna

Y de pronto me di cuenta
de que a mi alrededor flotaban
planetas de turquesa
amatistas de la mente

Acordes hipostasiados
ruedas de la fortuna
instintos naturales y arcoiris
para hablar del amor

Entonces decidí callarme
y guardar en mi interior semejante tesoro
una colección de días más brillantes
que la pasión de Prometeo

Pues demasiado tarde comprendí
que había que tomar en cuenta
también el invierno
también la muerte

Ese llamado que desde el primer momento
nos recuerda la puesta en escena
de una instalación foránea
en impensados fósiles del conocimiento



CUARTETO DE GENIOS

a Igor Stravinsky


En mayo de 1922, en París,
justo después de la publicación del Ulises
y medio año antes de la muerte
del autor de En busca del tiempo perdido

Se encontraron
por única vez, en una cena,
cuatro genios del siglo XX:
Joyce, Proust, Picasso y Stravinsky.

Joyce había leído unas cuantas páginas de Proust
y no había reconocido allí ningún talento.
Proust, por su parte,
nunca había oído hablar de Joyce.

Picasso ocupó la velada
cortejando a las jóvenes presentes
mientras que el aristocrático Stravinsky
no le prestó atención a nadie.

Proust se la pasó lamentándose
de su pobre digestión
y Joyce hizo otro tanto
sobre sus legendarios dolores de cabeza.

Podemos imaginar la lujosa mesa
como un bodegón
-una naturaleza muerta-
de Picasso;

Y la música de fondo
como un cuarteto de cuerdas de Stravinsky
punteado por los largos silencios
de la incómoda conversación.



28 VARIACIONES SOBRE UNA LINEA
CON 14 PALABRAS DE JOHN CAGE
A LA MANERA DE EDWIN MORGAN

a John Cage


La poesía es decir que nada tengo… y esto no lo estoy diciendo yo:

Yo tengo que decir la poesía: esto no es nada y lo estoy diciendo…

Estoy diciendo esto: la poesía y no lo que yo tengo… es decir nada

Yo no tengo lo que la poesía… y esto es decir: nada estoy diciendo

No tengo nada y esto es decir la poesía: lo que estoy diciendo yo…

Nada: yo no estoy diciendo la poesía es esto… y lo tengo que decir

Y yo lo estoy diciendo: nada tengo que decir… la poesía no es esto

Yo no tengo que decir nada y la poesía es esto: lo estoy diciendo…

Estoy diciendo nada: la poesía y decir… esto es lo que yo no tengo

Diciendo la poesía nada tengo que decir: esto es… y yo no lo estoy

Esto es y yo no lo estoy diciendo: la poesía… nada tengo que decir

Nada: esto es decir que yo no tengo la poesía… y lo estoy diciendo

Y esto no es decir que nada estoy diciendo: yo lo tengo… la poesía

Esto tengo que decir: la poesía no es nada… y yo lo estoy diciendo

Yo tengo la poesía y nada estoy diciendo: esto es decir lo que no…

Decir que la poesía es esto y no yo… nada tengo: lo estoy diciendo

Esto lo estoy diciendo: la poesía es y yo no tengo nada que decir…

Nada tengo que decir: la poesía es esto y no yo… lo estoy diciendo

Yo no tengo que decir: esto es la poesía y lo estoy diciendo… nada

Poesía: yo no tengo que decir la nada es esto y lo estoy diciendo…

Lo tengo: no estoy diciendo que yo y la poesía… esto es decir nada

Esto es decir nada: yo tengo la poesía y no lo que estoy diciendo…

Tengo lo que yo estoy diciendo: no decir nada… y esto es la poesía

Estoy diciendo la poesía y yo lo que tengo es esto: no decir nada…

Nada y no yo… esto es decir la poesía: tengo lo que estoy diciendo

No decir nada es lo que estoy diciendo y esto tengo: la poesía… yo

Decir: la poesía y yo no tengo nada… esto es lo que estoy diciendo

Yo no estoy diciendo lo que es la poesía y nada tengo: decir esto…

Wednesday, October 04, 2006

sinoidal te invita a la ofunam

OFUNAM Temporada 2006-2007: Otoño

Odaline de la Martínez, directora; BBC Singers; Jonny Raper, percusiones.
Misa en do menor, Waisenhaus de Mozart; Concierto para percusión y orquesta de Wallen; y Caballos de vapor de Chávez

Sábado Siete de Octubre, 2006
Sala Nezahualcóyotl/20:00 horas

Domingo ocho d eoctubre, 2006
Sala Nezahualcóyotl/12:00 horas

Tenemos 5 pases dobles para cada concierto. Envía un mensaje o un correo a sinoidal@hotmail.com y obtén un pase doble, el cual deberás recoger 15 minutos antes del concierto.

Gracias!

Rafael Villegas

Monday, October 02, 2006

Musica contemporanea de Irlanda

Sinoidal preparó dos programas sobre lo más reciente en la creación musical de Irlanda. Ha sido una inmersión fructífera y alentadora por la frescura que caracteriza al grupo de compositores que programamos. Y es que una de las cosas más difíciles de lograr en la actualidad es precisamente la espontaneidad ante la creación, ese estar excento de las corrientes, de las pretensiones, de las complejidades sin profundidad. Las nuevas generaciones de compositores activos en Irlanda parecen portar las respuestas a esos problemas en su música, muy influidos por su herencia (desde los mitos y músicas medievales celtas), por la literatura de Joyce y Yeats y, sobre todo, por la multidisciplinariedad que caracteriza a buena parte de estos compositores. La consecuencia de todo esto son músicas visuales, poéticas, literarias y experimentales pero, sobre todo, honestas.

Christopher Luna Mega


En la primera parte del programa -martes 26 de septiembre/repetición el domingo 1 de octubre-, tuvimos, entre otros compositores, a Benjamin Dwyer, con una interesante propuesta para flauta en la que el intérprete fluctúa entre la emisión natural de aire y la verbalización para emitir sonidos con el instrumento. De Rhona Clarke presentamos una musicalización del nostálgico y místico poema de William B. Yeats (Nobel irlandés de los 20s) titulado "The old men admiring themselves in the water".


A continuación, algunos apuntes sobre los compositores y la música que programamos en la primera parte del programa de compositores de Irlanda.


Benjamín Dwyer (1965)

Afterjoyce 1
Flauta y percusión

Compositor y guitarrista. Residente en España, director artístico del Bank of Ireland Mostly Modern concert series.

“Más que ningún otro escritor, Joyce empujó a la literatura hacia terrenos musicales y encontró una vía media entre la palabra y la música. Afterjoyce explora diferentes técnicas instrumentales para encontrar esa vía media entre palabra y música. En el núcleo de la pieza reside la idea de la transformación: el fluir de música abstracta hacia sonidos vocalizados. Hay un monólogo musical que emana de un nuevo territorio que no es ni palabra ni música”.



Rhona Clarke (1958)

The Old Men Admiring Themselves in the Water
Voz y piano

Enseñanza temprana en piano y en coro. Hace música coral, de cámara, de orquesta y electroacústica.

La pieza es parte de un set de cinco piezas compuestas en “la paz y soledad” de Ballycastle. El texto es de W.B. Yeats, Nobel de Literatura de 1923. “Reflejan la naturaleza cínica de la vida y lo inevitable del cambio y la muerte”.

Reincarnation, communication with the dead, mediums, supernatural systems and Oriental mysticism fascinated Yeats through his life.

I HEARD the old, old men say,
'Everything alters,
And one by one we drop away.'
They had hands like claws, and their knees
Were twisted like the old thorn-trees
By the waters.
'All that's beautiful drifts away
Like the waters.'

Escuché a los viejos, viejos hombres decir:
‘Todo se altera
y uno por uno perecemos’.
Tenían las manos como garras, y sus rodillas
Estaban torcidas como viejos árboles espinosos.
Junto a las aguas
‘Todo lo que es bello se se desvanece
como los aguas’.



Jennifer Walshe (1974)

Unbreakable line, hinged waist
Ensemble Recherche

Walshe tiene un interés particular en los sonidos cotidianos que son frecuentemente considerados como redundantes. Ganó el Kranichsteiner Musikpreis en el Curso de Música Nueva de Darmstadt en el 2000.

“Una idea que me interesaba al hacer esta pieza tiene que ver con cómo las técnicas convencionales de interpretación pueden ser modificadas para generar nuevos sonidos. También me intersaba usar sonidos que podrían no tener significado ni función en contextos musicales tradicionales”.


Raymond Deane (1953)

Brown Studies
Cuarteto de cuerdas

Ha vivido en Dublín, Basilea, Colonia, Oldenburgo y París. Del 74 al 79 estudió con Stockhausen, Isang Yun y Gerald Bennet. Es compositor y pianista.

El título de la obra viene del color de los instrumentos de cuerda. Los primeros apuntes para esta obra surgieron mientras Deane componía su ópera The Wall of Cloud. Brown Studies fueron un contrapeso a las ideas bien delineadas y cerradas de la ópera. Este cuarteto se carga más del lado de la ambigüedad.

I- Opening (Apertura).- al inicio, los instrumentos están separados por pares contrastantes: violín y chelo, contra violín y viola. En la violenta sección central, la disposición inicial queda deshecha.

Hay 3 secciones que parten de la misma melodía. La primera hace la melodía con notas largas tocadas con sobriedad; la segunda se va a un extremo violento, tocando la melodía tallando, tremolando las cuerdas con exaltación (riquísima textura); la tercera es en pizzicato.



Paul Hayes (1951)
Piano

Pre-prelude for Morton Feldman 1926-1987
27th January 1995: Lost in Tokio

Teatro musical, ballet y live electronics son su principal campo. Vive en Japón. Las dos miniaturas son representativas del estilo de Hayes de la última década.

“Durante la segunda mitad del siglo XX siento que la música se ha deteriorado con el atonalismo libre y el minimalismo, dos corrientes que rechazo. De cualquier modo, siento que estas tendencias son representativas de lo que ha pasado a la idea de modernismo en general”.

A continuación, una cita del compositor y pianista, Cornelius Cardew (según Feldman, el mejor intérprete para su música) sobre la música de Morton Feldman.

"Almost all Feldman's music is slow and soft. Only at first sight is this a limitation. I see it rather as a narrow door, to whose dimensions one has to adapt oneself (as in Alice in Wonderland) before one can pass through it into the state of being that is expressed in Feldman's music. Only when one has become accustomed to the dimness of light can one begin to perceive the richness and variety of colour which is the material of the music. When one has passed through the narrow door and got accustomed to the dim light, one realises the range of his imagination and the significant differences that distinguish one piece from another ...

Feldman sees the sounds as reverberating endlessly, never getting lost, changing their resonances as they die away, or rather do not die away, but recede from our ears, and soft because softness is compelling, because an insidious invasion of our senses is more effective than a frontal attack. Because our ears must strain to catch the music, they must become more sensitive before they perceive the world of sound in which Feldman's music takes place."

Cornelius Cardew



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Para el segundo programa -martes 3 de ocubre/domingo 8 de octubre- presentamos a estos compositores:


Siobhán Cleary (1970)

Threads, obra orquestal, fue seleccionada para el Segundo Festival Internacional y para grabarse bajo el sello de Viena Modern Masters.

Deuce

Para dos violines.

Parte de la idea de un mito irlandés en el cual el diablo se aparece en las fiestas o en las bodas para retar al violinista más virtuoso. Si el diablo, caracterizado por su virtuosismo invencible, derrota a su contrincante humano, gana el derecho de tomar las almas de la fiesta.

Hay dos secciones: la primera, en la que los dos violines compiten en diversas figuras rítmicas ascendentes de gran velocidad; la segunda, una sección en la cual viene la calma posterior a la competencia. Queda abierto a la interpretación de cada quién lo que sucede luego de la competencia. ¿Ganó el diablo y la música ilustra la obscuridad que penetra lentamente en las almas de la gente? ¿O prefieren el "happy ending" con tintes de obscuridad?

Importante mencionar que Irvine Arditti -sobra comentar su impresionante currículo como violinista ejecutante de la más compleja música nueva- estrenó Deuce, de Siobhán Cleary.


Donald Hurley (1950)
Suspended Sentence

Hurley tiene un particular interés en la música electroacústica, así como en la música para danza y es ponente de temas musicales en el Mater Dei Institute of Education, Dublin.

Suspended Sentence forma parte de Ice to Water, Water to Words, un proyecto de cuatro instalaciones que utilizan esculturas, sonido, iluminación y video, en las cuales la escultora Annabel König y Hurley colaboraron.


Ailís ní Riain (1974)
Don´t
Para cello y clarinete bajo

Ailís ni Riain tiene un particular interés en las colaboraciones multidisciplinarias y el teatro musical. Su música ha sido ejecutada en el Reino Unido, Irlanda, Francia, Italia y Estados Unidos.

“¿Qué pasaría si pudiéramos no decir las cosas que no debiéramos decir? Los ejecutantes simplemente representan a dos personas conversando. Dicen mucho, amargamente se arrepienten, pero inevitablemente lo harán todo otra vez. Así es la naturaleza humana”.

Gráinne Mulvey (1966)
Sextet Uno (1997)

Recientemente obtuvo un DPhil en composición por la universidad de York y ha recibido la beca Macaulay Fellowship, administrada por el Arts Council de Irlanda.

Esta pieza esta inspirada en un documental sobre las serpientes marinas, por los largos y cíclicos viajes emprendidos por estas creaturas desde el AMr de los Sargasos hasta los ríos y los estanques de la Europa Continental"



Kevin O’Connell (1958)
Slätter
Para contrabajo.

Kevin O’Connel ha abarcado la ópera, orquesta, música vocal y de cámara. Ha recibido comisiones para la BBC, la Opera Theatre Company y la Nacional Chamber Choir of Ireland.

“El escuchar algunas melodías folclóricas de Noruega fue una revelación para mí. Lo que magnetizó a mi oído fue la transgresión tonal generada por la escala de cuarta aumentada y el fácil intercambio entre el ritmo ternario y binario, lo que da a la música una energía incansable. He combinado y adaptado ambos aspectos en secciones que se alternan con un ritmo recurrente”.

Donnacha Dennehy (1970)
To Herbert Brün (2001)

Dublinés, Dennehy compone tantopara grupos acústicos como para medios electrónicos.
Esta música, dedicada a Herbert Brün (1918-2000) está originalmente escrita como parte de una colaboración entre el Crash Ensemble y la Daghda Dance Company para una pieza llamada 2X2X5, concevida por el coreógrafo Yoshiko Chuma"

Wednesday, September 13, 2006

sinoidal - 12 de septiembre - visiones sonoras

el programa de esta semana estuvo dedicado al festival visiones sonoras, el cual iniciará el próximo miércoles 20 de septiembre y se llevará a cabo tanto en la ciudad de méxico como en morelia, platicamos con su organizador, el compositor mexicano rodrigo sigal y programamos música de algunos compositores que estarán presentes en dicho festival.

playlist:
(visita las páginas da cada compositor para más información y más música; pulsa en el nombre de la pieza para descargarla)

1
compositor: tae hong park
pieza: GaMyeon II
página del compositor

2
compositor: javiér álvarez
pieza: mambo a la braque

3
compositor: lukas ligeti
pieza: pattern transformation
página del compositor

4
compositor: sergio luque
pieza: my life has been filled with terrible misfortune; most of which never happened
página del compositor

5
compositor: hans tutschku
pieza: das_bleierne_klavier
página del compositor

rafa villegas

Monday, September 04, 2006

murmullos del páramo, ópera de julio estrada


este martes 5 de septiembre, sinoidal dedica su espacio al compositor mexicano julio estrada, con motivo del estreno en méxico de su ópera, murmullos del páramo, dentro del marco del festival música y escena, organizado por la unam.


murmullos del páramo, ópera de julio estrada

basada en pedro páramo de juan rulfo
foto: carlos sandoval

estreno en méxico, con la participación de un elenco internacional

la ópera murmullos del páramo, se estrenará en méxico en el marco del viii festival internacional música y escena. como todas las creaciones del compositor mexicano julio estrada, es una obra largamente madurada, cuidadosamente construida, meditada a profundidad en cada uno de sus detalles, y sustentada por un sólido cimiento teórico y de investigación. la puesta en escena se realizará el viernes 8 y sábado 9 de septiembre de 2006 a las 20:30 horas, en la sala nezahualcóyotl del centro cultural universitario (insurgentes sur 3000, c.u.).

el elenco internacional de murmullos del páramo es prestigioso: de alemania, sarah maria sun (susana), suzanne leinz, (susana), andreas fischer (pedro y bartolomé), verena schwer (justina), studio strobel de freiburg, swf (bóveda de 12 bocinas y control cronométrico y metronómico); de argentina, guillermo anzorena (miguel); de estados unidos, mike svoboda (trombón); de españa, fátima miranda (doloritas), llorenç barber (ruidista); de italia, stefano scodanibbio (contrabajo); de japón, ko ishikawa (shô) y ko murobushi (danza butoh); de suecia, magnus andersson (guitarra); y de méxico, julio estrada (director musical, voz de abundio) y sergio vela (director de escena).

murmullos del páramo recibió su estreno mundial el 12 de mayo de 2006 en madrid y fue representada posteriormente en stuttgart, en ambas ocasiones bajo la dirección escénica de sergio vela, quien tendrá las mismas funciones en esta ocasión en nuestro país. acerca de la obra de julio estrada, sergio vela escribió: “entre los ingredientes esenciales de la ópera está la identificación de un intérprete que personifica —o incluso es— un personaje específico, mientras que en los antiguos madrigales uno o varios intérpretes narraban la trama y representaban a más de un personaje. después de cuatro siglos de historia de la ópera, julio estrada ha construido una estructura muy intrincada en la que los personajes no sólo son representados por más de un intérprete (con frecuencia un solista vocal y un instrumento musical), sino en la que también exige que casi cada intérprete represente más de un rol dramático.”

al respecto de su obra, julio estrada escribió:

“la idea de componer una ópera sobre pedro páramo, surgió después de escribir el sonido en rulfo (estrada 1990), amplio ensayo que intentaba interpretar la literatura de juan rulfo –principalmente los cuentos de el llano en llamas y la novela pedro páramo– en términos del imaginario sonoro de su prosa. textos espléndidos que ilustran su capacidad innata para evocar sonidos en sus descripciones, sugerencias subliminales que buscan encontrar un eco profundamente arraigado en la sensibilidad y en la memoria auditiva de sus lectores. leer pedro páramo, escucharlo con atención, es experimentar una música que surge de la interacción de sonoridades, palabras y nuestras respuestas a ello. fue el proceso dialéctico entre el texto de rulfo y la experiencia individual de escuchar íntimamente la idea germinal de mi ópera murmullos del páramo. para rulfo la esencia del ‘ser’ es ‘sonar’. cada objeto y cada ser viviente puede encontrar su esencia sonora dentro de un espectro total de sonoridades. ‘escuchar’ la novela basta para guiarnos a ojos cerrados hacia un mundo sonoro que ofrece una versión translúcida de la realidad y de lo onírico. la novela apareció por primera vez en 1954, con la publicación de algunos fragmentos llamados los murmullos, donde el autor evoca la presencia de seres que sólo pueden ser escuchados y que pertenecen al mundo desvanecido que juan preciado encuentra al llegar a comala. los murmullos de rulfo no resuenan como parte de nuestra memoria de lectores sino al fondo de los sueños del imaginario. ese es el mundo sonoro que se fue tejiendo en mi mente para crear una ópera.”

murmullos del páramo consta de cinco secciones: penumbra, doloritas, espectros, susana y penumbra, hechas del ensamble de un extenso conjunto de módulos autónomos superpuestos y desparramados en un tiempo onírico: miqi’cihuatl (soprano), miqi’nahual (contrabajo), mictlan (voz, ruidista y contrabajo), hum (cinco voces), retrato (trombón), sin dios (shô), caja con trenzas (guitarra), fósiles resonantes (voces e instrumentos) e iztacihuatl (soprano, voces e instrumentos).

en contraste con la síntesis característica de la ópera del barroco a hoy, murmullos del páramo es una “red de agujeros” –arquitectura rota reflejada en pedro páramo y propia del duelo de la conquista–: módulos autónomos que surgen en distintos planos del espacio-tiempo, música que corre en paralelo a otra música, canto que no siempre conduce el texto de rulfo pero que alude a su sentido, sonidos del ambiente que conviven con un contexto de inframundo, una escisión de la escena visual de la auditiva –bóveda de voces–, o una acción casi quieta que se expande con la danza butoh. es una ópera de multidimensionalidad cuyas rupturas abismales colocan al espectador en un ejercicio perceptivo solitario que ensaya enfrentarle a la pérdida.

Wednesday, August 30, 2006

de nuestro amigo, el flautista willie terrazas

"hola a todos,
les escribo con gusto para presentarles el nuevo espacio virtual de nuestro proyecto de improvisación generación espontánea. encontrarán 4 archivos mp3 para escuchar y bajar. ¡que lo disfruten!

www.myspace.com/generacionespontanea

un saludo desde la ciudad de méxico,
wilfrido terrazas
www.myspace.com/torrehomerica "

sinoidal, martes 29 de agosto: zeena parkins



el pasado martes 29 de agosto, sinoidal presentó casi en su totalidad necklace (tzadik, 2006), nuevo disco de zeena parkins, arpista, improvisadora y compositora que muchos ubican por sus ejecuciones en vivo al lado de la artista pop bjork pero que también ha grabado impresionantes trabajos con ikue mori (phantom orchard [mego, 2004], proyecto que les valió una mención honorífica en el prix ars electronica, importante festival austriaco de nuevas tecnologías aplicadas al arte y la comunicación) jim o'rourke, lee renaldo, kaffe matthews (weightless animals), thurston moore, pauline oliveros , john zorn, y fred frith, entre otros.

necklace es sin duda un importante eslabón en la trayectoria como compositora de parkins, un personaje cuyo trabajos escapan del encasillamiento rehuyendo a las fronteras entre la experimentación, la música académica, la electrónica y la improvisación y cuyos sello distintivo ha sido, además de la complejidad delirante que alcanza como libre-improvisadora, la preparación del arpa a fin de obtener nuevas sonoridades a partir del instrumento, ya sea mediante el uso de objetos o a través de procesos electrónicos en los que involucra tanto software como hardware. el disco comienza con persuasion, para cuarteto de cuerdas y procesos electrónicos, la segunda pieza y sin duda la más llamativa en cuanto a su dotación instrumental se refiere es 16 feet + cello, compuesta para un violonchelo (ejecutado por maggie parkins, quien aquí hace uso gran parte del tiempo de técnicas extendidas que amplían las texturas de su instrumento) y 8 pares de pies, sigue solo for neil, para harpas acústicas, ejecutadas por zeena parkins, para concluir con un segundo cuarteto de cuerdas, visible/invisible, dividido en tres partes: the hand, anamnesis y the necklace.

el disco contó con la importante participación del eclipse quartet , cuarteto de los angeles especializado en repertorio contemporáneo, integrado por sara parkins - violín, sarah thornblade - violín, joanna hood - viola y maggie parkins - cello.

la repetición de este programa, el domingo 3 de septiembre, 2006, a las 21:00 hrs, tiempo de la ciudad de méxico, por el 90.9 de fm, o bien, en www.ibero909radio.com .

rafael villegas

Monday, June 19, 2006

in memoriam györgy ligeti, martes 20 de junio


con motivo del fallecimiento del compositor gyorgy ligeti, sinoidal ha
preparado un modesto ho menaje a uno de los grandes íconos de la música del siglo veinte y uno de los favoritos entre el público mexicano vinculado en mayor o menor medida con la música contemporánea.

nuestro in memoriam será este martes 20 de junio a las 23:00 hrs (tiempo de la ciudad de méxico) en sinoidal, programa que se transmite en el 90.9 de fm o en línea a través de www.ibero909radio.com .

FUNERALS DE LIGETI

György Ligeti: Funeral on 26 June

György Ligeti died on the 12th June in Vienna at the age of 83. His funeral will be held on the 26th of June at 11am at the Crematorium Simmering in Vienna, Simmeringer Hauptstraße 337 – opposite Gate 2 of the Zentralfriedhof (Central Cemetry). Following the funeral, a memorial concert will take place at 3pm at the Vienna Konzerthaus, Mozartsaal.

MUERE LIGETI

tomado de http://www.schott-music.com/news/komponistennews/show,3336.html


Schott Music mourns for György Ligeti

On Monday morning, the Austrian-Hungarian composer György Ligeti died in Vienna at the age of 83 after suffering from a serious illness. With him, we have lost one of the greatest composers of the 20th century.

György Ligeti was an adventurer in form and expression and a great visionary of contemporary music. His richly varied output takes a special position in its musical quality and uncompromising individuality. Ligeti moved far away from aesthetic trends and methods all his life. He was characterized by fresh and unorthodox ideas, any form of dogmatism was foreign to his nature, his entire oeuvre is marked by radical turning points. Admired and hugely influential in the profession, the sensual accessibility of his music has won the hearts of audiences everywhere.

Atmosphères, the orchestral work he created in 1961, made Ligeti instantly well-known. In this piece, he worked almost completely without traditional melodic, harmonic and rhythmic parameters and concentrated on sounds with constantly changing textures. ‘Micropolyphony’, he once described, ‘means such a dense tissue that the individual parts become inaudible and only the resulting intermingling harmonies are effective as a form'. For him, however, techniques were never an end in themselves. Ligeti did not keep long to iridescent tonal surfaces, but always looked for new paths.

His father and brother both died in concentration camps; he himself managed to escape the labour service of the Hungarian army in 1941 and had to flee to Austria after the Hungarian Revolution of 1956. Deeply affected by these events, he developed a strong dislike of any dictatorship and any form of intellectual restriction: 'I am an enemy of ideologies in the arts. Totalitarian regimes do not like dissonances.' Biochemistry, chaos research, fractal geometry – Ligeti, who initially intended to study physics, found inspiration in the natural world for new compositional principles. During his long years as a teacher of international repute, he encouraged the independence, originality and uncompromising self-criticism of his pupils: 'There is only one tradition. Our music either stands up to it or not.'

After his intensive work at the Studio für elektronische Musik of the WDR in Cologne in the 1950s and the development of micropolyphony in the 1960s, his personal style became simpler and more transparent in the 1970s. And as if wanting to withdraw from the predominating musical tendencies, he began to use tonal sounds again. Ligeti said: 'I no longer listen to rules on what is to be regarded as modern and what as old-fashioned.' His only full-length stage work Le Grand Macabre was inspired by the theatre of the absurd and is teeming with operetta-like wit and black humour. The composer wanted to communicate more directly with audiences: 'Stage action and music should be dangerous and bizarre, absolutely exaggerated, absolutely crazy.'

In the 1980s and 1990s, Ligeti expanded his musical horizons again, incorporating structural principles of African drumming music into his works: the fanatic of the intricate developed new complex polyrhythmic techniques. They form the basis of the 3 collections of his Études pour piano which are considered to be the most important piano music of the end of the 20th century.

György Ligeti travelled a long road: from Romanian folk music and the tonal language of his fellow countryman Béla Bartók to his own cosmos of sounds. The mentor of a whole generation of composers, he wanted to 'fuse the fear of death with laughter'.